Expressionnisme Abstrait, Tachisme et Art Informel

L'expressionnisme abstrait, aussi connu sous le nom d'école de New York, est un courant artistique abstrait américain qui apparait en 1948 et se développe pendants les années 50-60, principalement à New York. Les facteurs de ce mouvement son liés à l'influence des arts abstraits et au surréalisme français ainsi qu'à crise économique des années 30 et aux horreurs de la Seconde Guerre Mondiale.   
Suite à ces derniers bouleversements, se voyant incapable de les raconter de manière figurative, les artistes vont chercher un moyen d'exprimer ce qu'ils ont vécu. C'est alors sous une forme abstraite et avec des couleurs très variées, qu'ils vont essayer de transmettre aux spéctateurs leurs sentiments, leur ressenti et leur souvenirs.
L'artiste va s'exprimer de façon subjective et le spectateur l'interprétera comme il le voudra aussi. 

Durant cette période, on accorde beaucoup d'importance  au "geste", car c'est à travers ses traces plus ou moins violentes,  qu'on l'on pourra en sortir certaines significations. Cette forme agressive de peinture est connue sous le nom d'"Action Painting" ("peinture gestuelle"/"peinture d'action"en anglais, terme inventé par Harold Rosenberg), et c'est le fameux peintre Jackson Pollock la pratiqua le plus afin d'exprimer son mal-être et sa souffrance intérieure à travers ses coups de pinceau plutôt violents, rapides et spontanés. Il utilisera aussi la méthode du "dripping", c'est à dire la projection de peinture  sur une toile posée à même le sol. La peinture devient donc une action plutôt qu'une représentation statique. L'idée était de donner plus d'importance à la texture, à la matière et aux gestes. Il y a une véritable recherche plastique.

J.Pollock - Action Painting

peinture à l’huile, Pollock, 2,375m x 3937m

Autumn Rhythm, Pollock, 1950, Metropolitan Museum of Art

Robert Motherwell utilisa cette même technique en privilégiant le blanc et le noir dont les symbolismes sont forts: le noir pour la mort, la peur et le blanc pour la vie, la joie. 

Elegy to the Spanish Republic, Motherwell, No. 57, guile sur toile, 1957-1960.

Franz Kline et ses toiles (1910-1962)

Housatonic, Arshile Gorky, 1943. 

Apparaît aussi la technique du "Colorfield" ("champ coloré" en anglais), terme inventé par le critique d'art américain Clement Greenberg en 1962, qui consiste à mettre en avant la couleur en l'appliquant uniformément sur une toile. La couleur vient alors engloutir le spectateur.

Les premiers artistes à employer ce procédé sont Clyfford Still, Mark Rothko et Barnett Newman. Chacun le faisait à leur manière. Still commença avec des aplats de couleur épais délimité par des contours irréguliers, Mark Rothko travaillait avec des formes rectangulaires, et Barnett Newman inventa les "zips", c'est à dire des coupures verticales divisant sa peintures en plusieurs plans de couleurs.

Rothko : « nous voulons réaffirmer le plan du tableau. Nous sommes pour les formes plates parce qu’elles détruisent l’illusion et révèlent la vérité. »

1957 J No. 2 (PH 401) , Still, huile sur toile, 1957

No. 3/No. 13 (Magenta, Black, Green on Orange), Rothko, huile sur toile, 1949,
216.5 × 164.8 cm. 

Vir Heroicus Sublimis Barnett Newman, au MoMA.

En europe, il existe à la même époque, un mouvement similaire : Le Tachisme qui se caractérise par des projections, des coulures et des éclaboussures de peinture sur les toiles.

It's All Over The City,Wols, 1947.

 Untitled, Jean-Paul Riopelle, huile sur toile,1951, 54 x 64.7 cm 

On retrouve également un aspect calligraphique dans les oeuvres d'Henri Michaux.

Sans titre,  Michaux, Peinture à l'encre de Chine, 1961-1962, 74 x 104 cm

Ce terme de "tachisme" a d'abord été utilisé péjorativement pour designer les tâches de couleurs.

L'art informel désigne toutes tendances abstraites apparaissant après la Deuxième Guerre Mondiale accordant une forte importance au geste de l'artiste. Ce mouvement est proche de l'expressionnisme abstrait, de l'Action Painting de Pollock et du Tachisme européen. 
On parle notamment d'abstraction lyrique, de matiérisme et de spatialisme.

L'abstraction lyrique désigne toute forme d'abstraction qui n'est pas géométrique, qui rompt avec les principes du cubisme et du surréalisme, et rejette l'équilibre, la rigueur des formes ainsi que l'harmonie dans la composition. Les oeuvres sont donc déstructurée, inattendue, improvisée et la maladresse de l'artiste est accepté.

Le matiérisme concerne la peinture abstraite réalisée en accumulant des matières non traditionnelles qui vont donner de l'épaisseur et de la texture à l'oeuvre. Les artistes vont se mettre à ajouter en plus de la peinture, des pâtes, du sable, des tissus enduits, du bois, du métal, des déchets, du plastique, ect.. 

Paysage à l'auto, Jean Dubuffet, 1953, huile/ toile

tête d'otage, Jean Fautrier,  1944.

Dernièrement, le spatialisme est mouvement artistique fondé par Lucio Fontana et lié aux artistes rejetant le réalisme et l'abstraction contemporaine en recherchant des nouveaux moyens techniques pour développer une "art fondé sur l'unité du temps et de l'espace". 
Lucio Fontana commença avec des oeuvres monochromes qu'il maltraitait avec des trous et des incisions.

Concetto spaziale (50-B.1),Fontana, 1950, MNAM, Paris.

Il s'interesserà insite à la lumière et réalisera quelques installations utilisant la lumière de Wood, et des néons.

 Ambiente spaziale, Fontana, Triennale 1961.

Voici d'autres oeuvres spatialistes: 

spirale, Roberto Crippa (1921-1972) 1956, huile sur toile.

Mario Deluigi (1901-1978); oil on wood, grattage

Giuseppe Capogrossi (1900-1972), Surface 209, 1957, Oil on canvas, 143 x 187 cm

Le Surréalisme

Le surréalisme était tout d'abord un mouvement littéraire né sous l'impulsion d'André Breton, qui se déclina ensuite dans l'ensemble des procédés de création et d'expression.
En 1924, Breton publie le premier Manifeste du Surréalisme et explique qu'il s'agit de créer en laissant l'inconscient s'exprimer sans être contrôlé par la raison et les valeurs inculquées. 

En littérature,  André Breton invente l'écriture automatique. En 1920, l'ouvrage surréaliste "Les Champs magnétiques" de Breton et d'André Soupault est publié. C'est un recueil de textes en proses qui fut écrit de façon automatique, en 1919. 

Breton et Soupault

Selon les surréalistes, le but de leurs oeuvres est de "changer la vie", sans quoi elles n'ont pas besoin d'exister. C'est d'ailleurs à cause de cette exigence qu'ils méprisaients les oeuvres d'art en général. 

L'automatisme un des principes moteurs du mouvement surréaliste. 

Il existe différente catégories d'automatisme:

-L'automatisme mécanique créait des motifs et de nouvelles textures plastiques créant des images fantastiques grâce au "grattage", au "frottage", au "fumage", au "coulage" ou à la "décalcomanie" par exemple. 

Voici une oeuvre de Max Ernst qui fut l'un des premiers à pratiquer le frottage relevant à la mine de crayon les détails d'un surface texturée quelconque sur une feuille de papier.

Forêt et Soleil, Max Ernst, frottage sur papier, 1931, MoMA, NY. 

Wolfang Paalen en 1937 invente le fumage à partir de traces de fumé produite avec la flamme d'une bougie sur une feuille de papier. 

Paysage médusé, Wolfang Paalen, 1938.

Ciel de pieuvres, Wolfang Paalen,1938.

Onslow Ford, en 1939 met en avant le procédé de coulage en répandant sur une couche de peinture au hasard. voici une de ces oeuvres:

Without Bounds, Onslow-Ford, 1939.

-l'automatisme sensoriel permet de réaliser des oeuvres qui selon le métapsychique Frederic William Henru Myers  sont des « produits de la vision et de l'audition interne extériorisés de façon à revêtir le caractère de quasi-perceptions ».

Par exemple, l'artiste De Chirico écoutait apparemment les conseils d'un "guide" mystérieux afin de réaliser ses oeuvres. 

k

De Cherico

Self-Portrait, De Cherico huile sur toile, 1922.

-l'automatisme moteur provient des impulsions du corps qui devient indépendant de notre volonté consciente. 

 Dans ces dessins, André Masson voulait montrer que les formes qui en émergeaient, représentaient ce que le conscient ne pouvait représenter. En terme d'analyse de l'oeuvre, soit on part de quelque chose de spontané que l'on interprète ensuite, soit on interprète la chose irréelle qui a été produite comme une représentation de ce qu'est l'inconscient en lui-même.

Dessin Automatique, André Masson, 1924.

Les chevaux morts, André Masson, 1927

Autres oeuvres dadaïstes:

Paul-Émile Borduas (1905-1960)

Paul-Émile Borduas (1905-1960)

Paul-Émile Borduas (1905-1960)

Decalcomania interpretada, Oscar Dominguez, 1936

Rocks, Roberto Matta, 1940.

A cause de l'adhésion de certains membres au communisme, cela créa quelques tensions entre eux. 

Le surréalisme prend fin quand son influence s'essouffle vers la fin des années 1940-1950.

DADA

Le dadaïsme est né en suisse pendant le première guerre mondiale. Ce mouvement cosmopolite à la fois intellectuel, littéraire et artistique regroupe des écrivains, peintres, plasticiens, cinéastes, danseurs, photographes et même quelques musiciens. La formation de ce groupe d'intellectuels, classés anarchistes et socialistes, s'est faite avec les réunions fréquentes de ses membres au Cabaret Voltaire, situé place de l'Odéon à Paris. 

Cabaret Voltaire

Poster pour l'ouverture du Cabaret Voltaire, lithographie, Marcel Slodki, 1916.

Le nom de "dada" a tout simplement été trouvé au hasard dans un dictionnaire Larousse. Dans le "Premier manifeste dada" du 14 juillet 1916 Hugo Ball, écrivain et poète allemand dadaïste, justifie ce nom :

"Dada a son origine dans le dictionnaire. C’est terriblement simple. En français cela signifie « cheval de bois ». En allemand « va te faire, au revoir, à la prochaine ». En roumain « oui en effet, vous avez raison, c’est ça, d’accord, vraiment, en s’en occupe », etc. C’est un mot international. Seulement un mot et ce mot comme mouvement. Très facile à comprendre. Lorsqu’on en fait une tendance artistique, cela revient à vouloir supprimer les complications."  

Hugo Ball (1886-1927)

Les artistes et intellectuels, dont Tzara, Arp, Janco, Picasso, Breton, Modigiani, Kandinsky, Klee et Léger, refusaient toutes conventions idéologiques, esthétiques (art traditionnel) et politiques, et étaient réfractaires à la guerre. Ils jugeaient les mouvements artistiques et littéraires contemporains trop frileux en matière d'innovation. Cependant, ils ne cherchaient pas non plus à détruire une culture  ou à être dans le nihilisme.

Une des résistance politique de DADA était en fait de rechercher la paix mondiale et une culture commune. DADA était comme un microbe et se diffuser rapidement dans le monde.
Hugo Ball définissait le DADA comme « une bouffonnerie issu du néant », quant à Picabia  le DADA n'était « Rien pour demain, rien pour hier, tout pour aujourd’hui ». Tzara ajoutait: " DADA reste dans le cadre européen des faiblesses, c'est tout de même de la merde, mais nous pouvons dorénavant chier en couleurs diverses pour orner le jardin zoologique de l'art de tous les drapeaux des consulats (...) ".

Un manifeste publié en 1918 montre le rejet de toute la société bourgeoise qui a pu être à l'origine de la guerre. Ce mouvement, qui refuse tout et surtout la logique, va essentiellement s'exprimer dans l'art même s'ils l'a refuse aussi.
Le groupe s'éparpillera vite. En 1924, quelques membres participeront à la naissance du surréalisme au "Bureau de recherches du surréalisme".

 Les dadaïstes se caractérisaient par le pluridisciplinarité et l'usage d'une multitude de démarches afin de composer leurs oeuvres:

Marcel Duchamp metta en place le "ready-made", c'est à dire des objets du quotidien, manufacturés et fabriqués en série qu'il a acheté et décidé d'exposer en tant qu'oeuvre d'art sans y apporter de modifications. Ici, la volonté de l'artiste prime sur tout même s'il parait incongru, illogique et irraisonnable. Le titre, souvent autre que le nom commun que l'on donne à ces objets, vient du simple choix de l'artiste et n'a pas besoin d'être justifié. 

Fontaine, M. Duchamp, ready-made, 1917.

Roue de bicylette, M.Duchamp, 1913

Ici, le titre manifeste une forme de refus contre le monde industriel vu ce qu'il représente (une sorte de machinerie).

Paroxysme de la douleur, Francis Picabia, 1915

Man Ray a découvert "au hasard" ce qu'il nomma le rayogramme ou la rayographie. Ce procédé résulte d'un exposition direct d'objets entre la source lumineuse et le papier sensible. Man Ray représentait des objets du quotidiens sous forme ressemblant à un spectre géométrique paraissant flotter dans les airs. De ce fait ceux-ci perdaient  leur sens, leur utilité. Il y a ici l'idée de "non-sens" du DADA qui naît aussi dans la spontanéité et l'improvisation.

 Rayogramme, Man Ray, tirage argentique d’époque, 1924.

Rayogramme, Man Ray, 1927

Raoul Hausmann invente les premiers photomontage en 1918 fait de l'artiste un assembleur de pièces détachées.

ABCD portrait de l'artiste, Raoul Hausmann, 1923

Le critique d'art, Raoul Hausmann, 1919-1920.

Voici une oeuvre de Max Ernst, dont le travail peu s'apparenter à celui de Hausmann. Son collage est un peu inquiétante. Il est difficile de reconnaître les éléments qui la compose mais on peut voir qu'ils ont tous une provenance différente, de magazines ou de journaux. Les photos autrefois illustrant quelques choses sont ici dénouées de signification. On peut reconnaitre un obus, l'artiste s'élève contre l'usage des armes militaires. 

Le rossignol chinois, Max Ernst, photomontage, 1920.

Quant à lui, Jean Arp, fait du collage au hasard. Le dadaïste réfléchissait  à l'impersonnalité du créateur, certaines fois en collaborant avec d'autres artistes. Par ailleurs, beaucoup de dadaïste formaient des groupes de performance artistique. 
Dans cette oeuvre, chaque papier est tiré au sort et posé au hasard sur une toile. Il y a encore l'envie de réaliser leurs oeuvres de façon spontanée et hasardeuse, sans y donner de signification.

 Rectangles arrangés selon les lois du hasard, Jean Arp, Collage de papiers colorés sur carton, 1916,
33,2 X 25,9, New York, Museum of Modern Art

En littérature, Tristan Tzara conseillait de faire des poème en tirant d'un sac des morceaux de journaux et en les collant dans l'ordre de leur tirage. 
Dans ces poèmes, Tzara accordait de l'importance à la composition et à la typographie. 

Bilan, Tzara, 1919

Dans la musique, les artistes réalisent des poésies sonores, c'est à dire une poésie que s'affranchit de l'écriture et qui renoue avec l'oral afin de faire du langage une musique à part entière.

La lecture de "L'amiral cherche une maison à louer", poème musical de écrit par Huelsenbeck, Tzara et Janco, questionne et trouble l'auditeur placé au centre de la pièce. En effet, le poème est écrit en allemands, en anglais et en français en même temps et il est en plus rythmé de bruits divers et marrants qui n'en apporte pas plus de sens. 

L’amiral cherche une maison à Louer, 2:34, 

Tristan Tzara, Marcel Janco, Richard Huelsenbeck, Cabaret Voltaire - 1916: 

Certains artistes vont aussi s'intéresser au cinéma pour partager leur vision du monde de l'art tels que Hans Richter, peintre et cinéaste américain, qui avec ces figures géométriques dans Rhythmus 21 en 1921 réalisera un des tout premiers films abstraits. 

On pourrait aussi rattaché les "happenings" ( en français, une "intervention artistique") de Allan Kaprow au dadaïsme. Les happenings sont des performances qui prenne en compte la notion "d'environnement" et qui invite à la participation active du public à un événement ou une situation artistique. Cette forme artistique remet totalement en question les règles de l'art car on se détache du socle et du cadre du tableau pour intégrer l'art dans un environnement composés de matériaux assemblés et collés qui éveillent les sens non seulement de la vue, mais aussi de l'ouïe et de l'odorat. L'artiste s'intéressait également à la vie de tout les jours en mettant en avant la participation du public dans l'oeuvre. Il rejette la frontière séparant l'univers de l'art à celui du visiteur.  

Happening, Allan Kaprow, 1961.

Le Bauhaus

Façade du bâtiment du Bauhaus à Dessau.

Le Bauhaus ("Maison de construction"), est la première école à avoir conjuguer les beaux arts et les arts appliqués. Elle se forme en 1919 sous l'impulsion de l'architecte Walter Gropius: c'est lui qui cessa de distinguer beaux arts et arts appliqués, afin de joindre l'aspect technique à l'aspect théorique. 

Walter Gropius (1883-1969), fondateur et directeur du Bauhaus (1919-1928).

Au sein de l'école, les élèves apprennent à créer des objets à la fois esthétiques, fonctionnels et innovants qui pourraient être produits en série et accessibles à tous. L'esthetique que l'on enseigne doit être simple, efficace et utiliser des matériaux novateurs tels que le verre ou le métal. Quelques professeurs connus de cette époque ont été Paul Klee, Kandisky et Itten.
L'école a une tendance communiste que l'on le remarque assez bien dans le logo du Bauhaus de Oskar Schlemmer influencé à la fois par le constructivisme russe et le suprématisme avec ces formes géométriques et  construites rigoureusement qui frôlent l'abstraction.
L'Ecole ferme ses portes en 1933 sous l'obligation des nazis.

théière, Marianne Brandt, 1924

 Ludwig Mies van der Rohe, 1929 

S533 R Chair,  Ludwig Mies van der Rohe.

Chaise Wassily, Marcel Breuer, 1922

Lampe WG24, Wagenfeld et Jucker, 1924

quelques affiches aux formes géométriques:

Affiche du Bauhaus, Joost Schmidt, 1923

Couverture de magasine, Victor Cieszlevitch, 1978

quelques projets architecturaux très rectangulaires et lisses : 

 maison de maître, Walter Gropius, 1925-1926

 Bayer a du ici faire écho au dessin d'un kiosque du maitre du constructivisme, Alexander Rodchenko:

 Kiosque à journaux, Herbert Bayer, 1924.